Mit ihrer vierten Veröffentlichung „Say It“ – veröffentlicht auf Friendship Fever am 2. März – tritt Lisa Adams aus dem Hintergrund hervor und liefert überzeugenden Gesang in ihrem Fanfarensopran zusammen mit ihrem Partner Sam und dem stark texturierten Schlagzeug von Chris Hermsen.

Nahezu als Antwort auf die gedämpfte Ambivalenz, die Bewegungen aus dem früheren „Comfort in Doubt“ der Band markiert, zeigt sich das Trio bei „Say It“ durchgängig auffallend kühn, sowohl musikalisch als auch thematisch. Sam sagt dazu: „Es geht darum, bei allem, was wir denken und fühlen, ehrlicher zu sein.“

Die Inspiration kam von einem Jahr, in dem wir beobachteten, wie Stille eine Unordnung der Liebe in Freundschaften im Umfeld der Band erzeugte. „Etwas scheint nicht in Ordnung zu sein, man schnüffelt etwas,“ sagt Sam. Man gesteht sich nicht ein, dass es existiert, und indem man ein kleines Problem nicht beachtet, erlaubt man, dass es wächst.“ „Wozu braucht man Taschen, wenn sie leer sind?/Füll sie mit Dingen, die Du gegen mich benutzt,“ singt Lisa auf dem ersten Track des Albums, und fasst damit kurz und prägnant den einer scheiternden Beziehung zugrunde liegenden Krieg der Zermürbung zusammen.

Die groovende Kantigkeit, das Markenzeichen der Band sorgt für noch mehr Punch, wenn sie, in Tracks wie „Driving By“, mit direktem Pathos gebündelt wird. In der Verschmelzung der jammernden Mischung des Kollegen aus dem Mittelwesten, Billy Corgan, in seinen besten Zeiten mit dem coolen Synthesizer Hunderter geliebter Soundtracks der 1980-er nimmt Sama Dams ihren deutlich ausgeprägten unerwarteten Sound in das Territorium der Hymnen und das machen sie kühner und empfindlicher Authentizität.

Das Album fühlt sich nach einem Entwicklungsroman für die Band an, die seit ihrem Beginn 2012 in Portland, Oregon komponiert und von dort aus auf Tournee geht. Nachdem sie ihre Zelte zuerst in einer Zeit und an einem Ort aufgeschlagen hatten, als sich alles um die folkige Fusion von Bands wie The Decembrists drehte, beansprucht Sama Dams nun einen bevorzugten Platz in einer Musikszene, die viel kantiger und vielseitiger ist als der Pazifische Nordwesten selbst.

Die Adams, die beide proaktiv die kreative Partnerschaft im Herzen der Band fördern, suchen permanent sowohl außerhalb als auch innerhalb neue Inspirationen. Seit der Veröffentlichung ihres ersten Albums in voller Länge sind sie unermüdlich im In- und Ausland getourt und haben dabei ihre beidhändige Live-Performance zu einer seelenvollen Leichtigkeit weiter entwickelt, die über die Komplexität der Musik hinweg täuscht. Ihre dynamische Kraft ist ansteckend. Sie bringt Nebenprojekte Schreibexperimente hervor, die sich über Staaten und Genre hinweg erstrecken.

Eintritt: 6€

WAS IST KWARTIRNIK+?
Neben Radio T, welches weiterhin die Interviews mit den Bands und deren musikalische Performance über ihre hochauflösenden Frequenzen in Echtzeit zu den Endempfängergeräten schickt, sitzen jetzt die Musikblogger von Band Master Flash mitten in Chemnitz‘ schönstem Livemusik-Wohnzimmer. Sie rutschen dabei in die Rolle der eloquenten Interviewpartner, investigativen Fragesteller und halten die Auftritte im aaltra darüber hinaus in unzähligen Verwicklungen digitalen Zelluloids fest. Für die Bands springen so nicht nur authentische Livevideos heraus, sondern jeder/jede kann jederzeit zu Hause den Abend noch einmal nachhören, wiederholt anschauen und auf diese Weise die Zeit bis zum nächsten Kwartirnik+ überbrücken. Denn im Gegensatz zu früher findet es jetzt nicht mehr jeden, sondern alle zwei Monate statt.

Irgendwo zwischen ehrlicher Suche nach Lebenswertem, wiederkehrenden Kicheranfällen und apokalyptischen Endzeitgedanken kreieren Yippie Yeah ihr kleines musikalisches Universum. Gespielt auf Tasten, Saiten und Fellen, gesungen auf deutsch und auf englisch. Marlène Colle kennt man eigentlich vom Tanz, Peter Bartz eigentlich von Käptn Peng & Die Tentakel von Delphi, Kristina Koropecki eigentlich von Mark Bérubé und Agnes Obel. Aber sie haben sich heimlich getroffen.

Irgendwo zwischen ehrlicher Suche nach Lebenswertem, wiederkehrenden Kicheranfällen und apokalyptischen Endzeitgedanken kreieren Yippie Yeah ihr kleines musikalisches Universum. Gespielt auf Tasten, Saiten und Fellen, gesungen auf deutsch und auf englisch. Marlène Colle kennt man eigentlich vom Tanz, Peter Bartz eigentlich von Käptn Peng & Die Tentakel von Delphi, Kristina Koropecki eigentlich von Mark Bérubé und Agnes Obel. Aber sie haben sich heimlich getroffen.

Eintritt: 5-8€

Der Weg ist das Ziel.

Dingoes Ate My Baby machen keine Folkmusik, obwohl sie mit ihrer Besetzung nun wirklich eine Folkband sind. Doch oft sind herkömmliche Songstrukturen zu eng und gewohnte Konzertsituationen zu ritualisiert. Dingoes Ate My Baby wollen weiter gehen. So spielt diese Post-Folkband Musik zwischen knackigen Songs und ausladenen zehnminütigen Instrumentalstücken, zwischen Jazz, Post Rock, Americana und experimentellen Klängen – Immer hungrig, immer auf der Suche nach der nächsten Herausforderung, immer schon mit der nächsten Frage in der Hinterhand. Konzerte sind eingebettet in Live-Tape-Recordings für das Publikum und in selbstgebaute Lichtinstallationen.

Es wird gejammt, penibel ins Detail komponiert, es ist wild, es ist laut, es ist atmosphärisch und still.

Drei Jahre ließen sich Färinger um Marius Ziska mit der Produktion eines neuen Albums Zeit. Drei Jahre, in denen die Bandmitglieder mit einigen positiven wie auch negativen Schicksalsschlägen umgehen mussten. Jahre, in denen jeder auf seine eigene Weise gereift ist. Doch beginnen wir am Anfang. War „Recreation“, das erste Album des damaligen Quartetts aus dem Jahr 2013, noch ein rein englischsprachiges Album, entschied man sich bereits auf „Home/Heim“ (2015) dazu, 50% der Songs auf färöisch zu singen. Für „Portur“ (dt: Pforte) ging die Band nun den einzig konsequenten Weg und verfasste alle Songs in ihrer Muttersprache. Zudem erweiterte man die Formation um Bassist Mikael Blak, der u.a. auch für die Grande Dame der Färöer Inseln, Eivør, den Bass betätigt. „Portur“ entstand unter der Grundannahme, dass Menschen einer inneren und einer äußeren Realität ausgesetzt sind, wobei die fünf Sinne als Tore zwischen diesen beiden Realitäten fungieren. Dabei zieht sich die Beobachtung von Menschen und ihr spezieller Umgang mit Sinneseindrücken wie ein roter Faden durch das gesamte Album. Die Komplexität des menschlichen Wesens. Die Songwriter werfen ein Licht auf die Komplexität, die Schwierigkeit, ein moderner Mensch zu sein. Einige Songs kommen daher nahezu lieblich daher, während andere Nummern von Frustration geprägt sind. Im Song „Góðvarin Mynd“ (dt: „Naives Bild“) geht es um den Wunschtraum von einer Welt voller Unschuld und Frieden, in der jeder genau der Mensch sein kann, der er sein möchte, während sich das Lied „Vald“ (dt. „Macht“) der Tatsache widmet, dass ein großer Teil der Menschheit von rücksichtlosen Diktatoren, Großkonzernen usw. kontrolliert werden. Ein ambitioniertes Projekt – sowohl textlich als auch musikalisch. Produziert wurde „Portur“ von Mikael Blak, der es gemeinsam mit der Band geschafft hat, einen modernen und experimentellen Sound zu kreieren. Die Texte wurden, wie auch schon auf „Home/Heim“ von Hans Jacob Kollslíð verfasst. Für das Mastering gewann man Greg Calbi (Tame Impala, War On Drugs, Arcade Fire).

Eintritt 6 €

Hier gibt es die volle Packung Poetry Slam aus der Region Chemnitz.

Egal ob schon erfahrene Poeten oder Newcomer, jeder/jede darf sich hier ausprobieren und dem Publikum seinen Text und Performance nahe bringen.
Abgerundet mit dem Wohnzimmerfeeling des aaltra, ergibt sich ein gemütlicher Abend, der dauerhaft nach Wiederholung schreit.

Einlass 19 Uhr // Beginn 20 Uhr // Eintritt 3/5€

Das Chemnitzer Alternative-Trio Stellar Cellar veröffentlicht am 13.4. im aaltra sein erstes Album. „Honeypot“ enthält zahlreiche Ohrwürmer von zuckersüß bis knüppelhart und vereint damit eine große Bandbreite dessen, was sich in der Gitarre-Bass-und-Schlagzeug-Szene zwischen 1970 und 2000 etabliert hat. Mit von der Partie sind die großartigen Luc Stargazer aus Dresden, die mit ihren 80er Jahre Wavehymnen für reichlich Gänsehaut sorgen. Wer danach die Nacht noch zum Tag machen will, befindet sich bei DJ Dr. Frank Mukke in absolut professionellen Händen.

Eintritt frei!

Die in Seattle beheimatete Band SPIRIT AWARD ist bekannt für ihre einzigartige Mischung aus Stereo-Gitarren, atemberaubend stimmungsvollen Klanglandschaften auf einer treibenden Drum & Bass-Grundlage.

Während das Trio dafür bekannt ist, eingängige psych Momente zu erzeugen, scheint es keine berechenbare Formel für ihren Schreibstil zu geben. Dennoch haben Daniel Lyon, Chris Moore und Terence Ankeny, ein gemeinsames Ziel: einen Sound mit Charakter und Authentizität zu schaffen.

Nach dem Erfolg ihres Debütalbums „Neverending“ sind Spirit Award bereit für ihr nächstes Kapitel mit der heiß erwarteten Veröffentlichung von „Muted Crowd.“

Das Album wurde produziert von Trevor Spencer (Father John Misty, Fleet Foxes) und bezieht seine Inspiration aus Seattle – einer sich ständig wandelnden Stadt, in der Musiker und Künstler andauernd ums Überleben kämpfen. “Muted Crowd” unterstreicht den charakteristischen Klang der Band und bietet mit seinen einhüllenden Landschaften eine beruhigende Szenerie.

Ankeny gibt zu: ″Unsere Einflüsse waren in letzter Zeit sehr unterschiedlich – Post Punk, Krautrock und 70er Jahre Punk, um nur einige zu nennen. Ich denke, wir versuchten viel mehr als beim letzten Album, verschiedene Klänge zu vermischen. Wir tauschten Instrumente aus und fügten neue Klänge und Ideen hinzu, die wir noch nie vollständig erforscht haben.″

Die Leadsingle „Supreme Truth“ enthält die Einflüsse der frühen New Order, Can und Brian Eno, wobei sie psychedelische Melodien und unberechenbar-flüchtige Gesangsstimmen hervorhebt. Thematisch basiert die Single auf dem japanischen Todeskult „Aum Shinrikyo“ unter der Leitung von Shoko Asahara. Er rekrutierte die Reichen sich seiner Sekte anzuschließen und durchführte 1995 einen Giftgasanschlag in der Tokioter U-Bahn. Nachdem sie von Kulten, Institutionen und Religionen fasziniert waren, ermitteln die Musiker wie leicht es sein kann, sich in etwas ganz zu verlieren, wenn das alles ist, von dem du umgeben bist.

Eintritt frei!!!

White Creatures – das Debütalbum von Black Sea Dahu – ist genau die Art von Platte, die deine innere Architektur neu ordnet und die dich letztendlich die Welt und dich selbst in einem neuen Lichte betrachten lässt. Wenn du es zulässt. Drückt man auf Play, begibt man sich im Grunde auf die Suche nach einer Vision, betrachtet man eine Darstellung menschlicher Verfassung, gleich einem Röntgenbild, so wie Sängerin und Songwriterin Janine Cathrein sie erlebt. Die gesamte Reise – denn danach fühlt es sich an – ist eine kiesige und staubige, aber reich orchestrierte und filmische Lesart urbaner Folk-Ästhetik. Die Arrangements, durchweg riesig, unterstützen und verstärken das sorgsam abgestimmte und emotional getränkte Songwriting – so wie man es eigentlich eher von Künstler_innen mit umfangreichem Oevre erwarten würde. Black Sea Dahu dagegen startet gerade erst.

White Creatures wurde über einen Zeitraum von vier Jahren geschrieben und dann in einem abgelegenen Studio in Giske, Norwegen, in 17 konzentrierten und intensiven Tagen aufgenommen. Janine erinnert sich, dass „(…) die meisten Sessions zwischen 15 und 20 Stunden dauerten. Ich musste mich völlig bloßlegen, um diese Gefühle rauszulassen und spätestens nach 10 Tagen Aufnahme wird man einfach verrückt!“ Tatsächlich war kreativer Wahnsinn eine Konstante während des gesamten Prozesses. Produzent und Engineer Gavin Gardiner (The Wooden Sky) brachte zudem einige unorthodoxe Methoden ins Spiel, um die Band „in the zone“ zu bringen. Einmal wurde die ganze Gang losgeschickt, vor Ort eine Hochzeit zu sprengen. Sie wurden sofort entdeckt und rausgeworfen, aber das hat die gesamte Energie im Studio verändert! Ein anderes Mal wurde Janines Schwester Vera angehalten, auf einem Hocker zu stehen, während sie im völlig dunklen Studio eine Sonnenbrille trug, direkt vor ihrem Gesicht ein Stroboskop aus einem Handy, was ihr schließlich beim Take einer speziellen Gitarrenlinie half. Um den Zauber des Augenblicks einzufangen, wurden Gesang und Hauptinstrumente live direkt auf Band aufgenommen – mit einigen behutsamen Overdubs und Texturen, die später hinzugefügt wurden.

In Singer/Songwriter-Tradition ist White Creatures nicht nur ein sehr persönliches Dokument, sondern auch ein sehr intimer wie großzügig angelegter und einladender Raum. In ihn einzutreten ist wie einer alchemistischen Verwandlung beizuwohnen, ja, daran teilzunehmen: Alles Alltägliche wird verzaubert. White Creaturessickert in die erwachende Wirklichkeit. Die festen, konzeptuellen Grenzen zwischen Stadt und Natur lösen sich völlig auf (sie waren nie wirklich da, um genau zu sein). Die Welt wird eins, wenn auch nur vorübergehend und als Versprechen. Zeit und Raum fallen in sich zusammen, Erinnerungen überlagern sich mit dem unerschöpflichen Strom des unersättlichen und mächtigen Jetzt. Die steinigen, bluesigen Elemente des Lebens – die Unzufriedenheit, die Einsamkeit, Kummer, die gelegentliche Taubheit des Geistes; was wir sonst als die hässliche Seite des Lebens betrachten – werden plötzlich sowohl kostbar als auch schön. Sie werden nicht nur erträglich, sondern zu einem Portal hin zu persönlicher Ekstase. Das Leben als Kunst und umgekehrt. Was es braucht, um dorthin zu gelangen, erfordert die selbstvernichtende Offenlegung und die totale Hingabe der Künstlerin – und auf White Creatures gibt es nichts als eben das!

Eine bunte, Merry Prankster-mäßige Gang, hat Janine Cathrein geholfen, ihre klangliche Vision zu verwirklichen: Simon Cathrein (ihr jüngerer Bruder, gelernter Forstwart, Cellist, Perkussionist und Keyboarder), Vera Cathrein (ihre ältere Schwester, Zeltnäherin, Gitarristin und Bassistin), Paul Märki (Stadtnomade, gelernter Polygraf, Gitarrist und Bassist), Nick Furrer (Barista, Schlagzeuger, Perkussionist), Ramon Ziegler (Lehrer, der Mann für Piano und Keyboard). Und je nach Gelegenheit findet sich diese Crew/Familie in immer unterschiedlicher Form zusammen, um die Musik von Black Sea Dahu aufzuführen; als Duo, als Quintett, oder einfach alle zusammen. Zum Schluss noch einige Worte über Janine Cathrein selbst. Sie ist eine Dichterin in Klang und Wort, eine Visionärin, Homedelivery Disponentin und eine höllische Fahrradkurierin. Sie ist außerdem bekannt dafür, selbstgemachte Erdbeermarmelade und Chili-Öl gegen Gitarren-, Schlagzeug-, Tasten-, Bass- und Gesangsunterricht einzutauschen.

Eintritt: 6€

Lingby legen ihre dritte Studioproduktion vor – „Silver Lining“ ist das persönlichste und ausgereif- teste Album der Kölner Band. Die neun Songs sind Ausdruck eines schweren Verlustes. Eine Drama- turgie aus hinreißenden Melodiebögen führt den Hörer zum Kern: Die Verarbeitung des Erlebten in tonaler Form, hingebungsvoll und kraftschöpfend zugleich.

Die Wucht des Lebens – und dann die Stille. Lingby setzen dieser Stille ein Konzeptalbum von kraftvoller Schönheit entgegen, das diese Stille nicht bekämpft, sondern sie innerhalb eines musikalischen Dialogs in die Klangtiefe überführt. Versöhnlich und außerordentlich berührend. Dass Lingby die Fähigkeit besitzen, zeitlos schöne Indie-Popstücke zu schreiben, bewiesen sie auf dem Vorgängeralbum „Twist and Turn“ (2015). Nun also folgt der nächste künstlerische Entwicklungsschritt. Ein Album, das in feiner, intuitiver Erzählstruktur langsam in die intimsten Bereiche vordringt. Verletzlich, mit schwelgerischer Introvertiertheit, vor allem aber entkoppelt von Erwartungen kreieren Lingby eines der aktuell schönsten Werke der deutschen Indie-Landschaft.

Ausgeprägter ist diesmal die Synthiedichte, aber die stilbildenden Elemente der Band bleiben erhalten: Immer noch verwebt die Formation den mehrstimmigen Gesang und die Bläsersätze der Heß- Schwestern zu einem orchestralen Band-Erlebnis. Aus der Klassik kommend, entwickeln Judith und Carmen Heß eine musikalische Sprache, die mithilfe von kompositorischer Präzision ihren Bestimmungsort im Indie-Pop findet. Dies gelingt im Zusammenwirken mit dem exzellenten Gitarrenspiel von Willi Dück, der – anders als bei den vorherigen Produktionen – mit seinen Gesanganteilen eher im Hintergrund agiert, und mit dem Schlagzeuger Martin Steinke, dessen Spiel und dessen Gesangsanteile sich durch eindringliche Reduziertheit auszeichnen.

Gemischt wurde „Silver Lining“ von Olaf Opal. Auch sein Anteil am Klangbild ist unverkennbar. „Mit Olaf zu arbeiten, war ein langgehegter Traum, alleine schon, weil er die vielen Notwist-Platten gemacht hat, die für uns wirklich sehr prägend und inspirierend waren“, so Carmen Heß. Ein sehr großer Teil des Albums ist in den Wohnzimmern der Bandmitglieder entstanden, dieser intime Rahmen ist immer hörbar. „Silver Lining“ zelebriert Soundschichtungen und aufgelöste Songstrukturen, findet aber dennoch stets den Weg zur Hook, zur Griffigkeit. Das Erlebte und Reflektierte erklingt besonders in der ersten Hälfte der Platte in einer morbiden Düsterheit, die an den späten David Bowie erinnert – die Hoffnung allerdings bleibt durchgängig fühlbar. Die musikalische Referenzen von Lingby sind unverändert vielfältig: Hanne Hukkelberg, Portishead, Massive Attack, My Bloody Valentine, Unkle, Beak, Björk, Radiohead, Sigur Ros – aber auch Mahler, Ligeti und Bach.

„Silver Lining“ zeichnet als Konzeptalbum einen Trauer- und Verlust-Prozess nach. Das Eröffnungsstück „Morning Prayer“ klingt als idyllische, aber auch bittersüße Retroblase. Es folgt „Surrender“ als düsteres Psychogramm und mit der auskomponierten Limbus-Zwischenwelt in „Noplace“ der Wechsel in die Ich-Perspektive. Je weiter der Hörer dem Erzählfluss des Albums folgt, desto deutlicher wird, dass Lingby musikalische Trauerarbeit in kaskadierter Form leisten. Zärtlich manövriert Sängerin Judith durch das Spannungsfeld zwischen tiefster emotionaler Bindung („You“) und der zeitweisen Entfremdung von sich selbst („Someone in my skin“). In der zweiten Hälfte des Albums verschärft sich die Dringlichkeit: das treibende „Composure“ thematisiert die Angst vor weiteren Verlusten, „Heaven“ wagt als Sequenz der Ruhe den Blick ins Metaphysische und „Redeem The Day“ fokussiert den Auftrag im Jetzt. Alles mündet schließlich im finalen Titelstück „Silver Lining“ – dem noch immer traurigen und erschöpften, aber auch friedvoll zur Ruhe kommenden Epilog. Fragil und wunderschön.

Kay Lehmkuhl

Kennengelernt haben sich die 9 Jungs von MOZAH in ihrem früheren beruflichen Umfeld als Models für Bademoden. Da der Hype um haarige Bierbäuche in letzter Zeit etwas nachgelassen hat, entschieden sich die „Backstreet Boys des PostPop-Deutschlands“ (Zitat: Angela Merkel) dazu, dicke Blechkannen in die Hand zu nehmen und die lauteste Band der Welt zu werden. Sexy!

Bei fetter Brass Action, gepaart mit BoomBap Beats und hochversiertem Rap von Frontmann Heen blasen sie dem Zuhörer das Smartphone aus der Hand, die Schminke aus dem Gesicht und reißen hemmungslos jeden Hintern vom Hocker.

Jetzt benannte auch noch Wolfgang Amadeus Mozah seine berühmten Kugeln nach dieser, wie er sagt, „1 nicen Band. Einfach lit!“